Este artículo parte de la pregunta “¿qué significa una ruina”. Grecia, Roma … hay muchos lugares donde viajamos para ver ruinas de lo que hace siglos fueron otras civilizaciones, sobre todo de lo que fueron grandes monumentos. Robert Ginsberg dice que hay dos tipos de ruina, la clásica, más formal e intelectual; y la romántica, más emotiva y no formal. En general pero, podemos entender una ruina como una deconstrucción, como algo viejo, antiguo, que nos transmite parte de la historia vivida, que nos traslada a otro tiempo … Pero ¿qué es viejo y qué es nuevo? Una ruina, siempre debe significar “pasado”?
The ruin retains the past in the continuity of its stones. The primary emotive provocation caused by the ruin is the curiosity, the desire to know.
Archaeoinquiry
Who built it?
When?
For what purpose?
How did they do it?
Why?
What is left of it?
How did it function?
Where is the rest of it?
What more can we found about it? The ruin challenges us to unravel its secrets. […] The ruin is liberated from destruction. […] The ruin defies the stream of time.
Robert Smithson, como visitante del espacio tiempo, en 1967 nos presenta su relato “Un recorrido por los monumentos de Passaic, Nueva Jersey“, del que destacamos esta nueva mirada hacia el paisaje, una nueva experiencia de descentralización del territorio (Marot, 2003), proponiendo lo que llamó “ruinas al revés”:
“Este panorama cero parecía contener ruinas al revés, es decir, toda la construcción que finalmente se construiría. Esto es lo contrario de la ‘ruina romántica’, porque los edificios no caen en ruinas después de haberse construido, sino que alcanzan el estado de ruina antes de construirse. Esta puesta en escena antirromántica sugiere la idea desacreditada del tiempo y otras muchas cosas ‘desfasadas’. […] Passaic parece estar lleno de ‘agujeros’ en comparación con la ciudad de Nueva York, que parece estrictamente empaquetada y sólida. Estos agujeros son, en cierto sentido, los vacíos monumentales de la memoria de un juego de futuros abandonado.” [Robert Smithson].
Así pues, Smithson acompaña el texto con ocho ilustraciones (un recorte de periódico, seis fotografías y un fragmento de mapa en negativo):
El mismo autor nos describe el “Monumento puente Mostrando las aceras de madera“:
El monumento era un puente sobre el río Passaic, el cual conectaba el condado de Bergen con el de Passaic. El sol del mediodía daba carácter cinemátográfico al lugar, convirtiendo el puente y el río en una imagen sobreexpuesta. Fotografiarlo con mi Instamatic 400 fue como fotografiar una fotografía. […] Cuando atravesé el puente, era como si caminara sobre una fotografía enorme hecha de madera y acero y, debajo, el río existía como una película enorme que no mostraba más que una imagen continua en blanco. […] Desde la ribera del Passaic contemplé como el puente giraba sobre un eje central para permitir el paso de una forma rectangular inerte, con su cargamento desconocido. El extremo (oeste) de Passaic del puente viró hacia el sur, mientras que el extremo (este) de Rutherford del puente viró hacia el norte; tales rotaciones sugerían los movimientos limitados de un mundo anticuado. ‘Norte’ y ‘Sur’ colgaban sobre el río estático, de una forma bipolar. Uno podía referirse a este río como el ‘Monumento de las direcciones dislocadas’.
Robert Smithson y su concepto de “ruinas al revés”, donde los edificios alcanzan el estado de ruina antes de construirse, me hace pensar en algunos ejemplos que encontramos en nuestras ciudades debido a la situación que estamos sufriendo actualmente. La crisis ha dejado muchos edificios a medio construir o, si ha sido posible terminarlos, aún están a la espera de que alguien los habite. Lo mismo ocurre con algunas zonas de polígonos industriales que aún siguen vacías sin ningún tipo de actividad o con infraestructuras paradas. Podríamos pensar que estas construcciones pueden alcanzar el estado de ruina antes de acabarse? Si quisiéramos aplicar este concepto de Smithson, precisamente no encontraríamos esta estética bucólica, aunque haya ocurrido esta interrupción temporal que nos plantea. El único elemento es el paso del tiempo, pero encontramos algún resto de memoria, de vivencia, de sentimiento …? ¿Qué pasará con todos estos edificios? Estamos ante la incertidumbre de si algún día alguien los acabará y dejarán de ser como fantasmas en nuestros paisajes cotidianos …
De estos “monumentos” como diría Smithson, podemos extraer el testimonio de una época de abundancia y crecimiento, pero también de egoísmo, avaricia y falta de control. Fernand Pouillon, arquitecto y urbanista francés, en 1964 escribió en “Las pierres sauvages” (“las piedras salvajes”):
Une ruine n’est belle que sil elle présente les restes d’une existence jadis complète. Le bâtiment inachevé ne peut prétendre à la beauté de la ruine.
LES PIERRES SAUVAGES. POUILLON, Fernand. Éditions du Seuil, 1964.
Esperemos que urbanizaciones, polígonos industriales … no acaben como algunas de las ciudades abandonadas que encontramos en los EE.UU, como por ejemplo, Detroit o Gary. En este caso, el motivo del abandono y desertización es la desaparición de la actividad industrial principal de la ciudad, la misma que motivó el rápido crecimiento, provocó su destrucción, quedando así un paisaje anclado en el pasado.
Propuesta de proyecto colaborativo coordinado por Sergi Selvas entre la Facultad de Bellas Artes (UB) y las escuelas de Arquitectura ETSAB y ETSAV (UPC). El proyecto se basa en la organización de una actividad formativa dirigida a estudiantes de ambas universidades con el objetivo de crear una propuesta de experimentación colectiva, donde el intercambio de herramientas y de conocimientos interdisciplinarios sean la principal base metodológica . Esta actividad introduce en un recorrido teórico compuesto por cuatro conferencias, destinadas a los estudiantes pero abierto al público en general interesado en la materia; que culminarán en un workshop destinado a los alumnos de las dos carreras. El campo de trabajo que se propone a los estudiantes son las estrategias participativas y colaborativas para el estudio y el análisis con el objetivo de diseñar interferencias en los espacios relacionales de la ciudad.
www.inter-accions.org
BIO
(Manresa, 1985) És tècnic realitzador multimèdia i programador web des de 2006. Actualment està cursant el Grau en Belles Arts a la Universitat de Barcelona i col·labora amb el Departament d’Innovació i Docència de la Universitat de Barcelona.
Combina la seva activitat acadèmica amb projectes artístics propis lligats a les noves tecnologies, la imatge i el so. Ha participat en diversos tallers sobre noves tecnologies i art entre els quals destaquen “Escenografia interactiva”, Telenoika, Barcelona, 2011; “Electrònica per a artistes”, Hangar, Barcelona, 2010. Altres seminaris sobre pràctiques artístiques i ciutat, entre els quals destaca “QUAM 2011: WIKPOLIS, cartografies i construccions col · lectives de l’espai social. Seminari Internacional “(ACVic, Vic, 2011).
Ha participat com a ponent en el Seminari de Projectes en Paisatges Culturals a la Projectes a l’Escola Tècnica Superior d’Arquitectura del Vallès presentant els projectes Paisatge Sonor, Passeig Sonor I i Passeig Sonor II, així com la seva exeperiencia com a artista amb el paisatge. Ha realitzat el projecte Tlön. Art relacional, un projecte work in process per a la creació de noves relacions socials a partir de paràmetres aleatoris executats per un ordinador. També ha participat en tallers com Estratègies de creació i arquitectures col · lectives que incideixen en l’espai físic i social, dirigit per Straddle3-David Juárez Latimer-Knowles i Tot per la Praxi-Diego Peris, el resultat del qual, Mediatanker ha estat exposat en ARTESANS . Construccions col · lectives de l’espai social. La Capella, Barcelona, 2012. Altres de les exposicions col · lectives recents destacades és amb l’obra Urban Passage, per al projecte de co-creació de la Mandarina de Newton, Science of the city, al centre d’art Arts Santa Mònica, Barcelona, 2012; i la peça No-Transits per a l’exposició Situacions Reals al Centre Cultural la Mercè de Girona, 2012. I la seva última exposició va ser a l’Escola d’Art la Massana i també va ser seleccionat recentment per Girona. Temps de Flors 2013 i també Mutuo Centro de Arte a Barcelona per una exposició col·lectiva.
És co-fundador del col · lectiu interdisciplinari mixité (www.mixite.es), plataforma de difusió ia partir de la qual es realitzen projectes col · laboratius que treballen sobre l’art, l’arquitectura i l’urbanisme.
Recentment ha estat seleccionat per la convocatòria Intervenciones y estancias artísticas en el medio rural. Enkarterri-Ikas-Art 2012. on desenvoluparà un projecte basat en el concepte del caminar com a generador de paisatge i interrelació social entre els habitants del territori i l’entorn que habiten.
STATEMENT
El paisaje se debe a un conjunto de cosas específicas a las que reaccionamos y reacciona al entorno, que excitan, ponen en movimiento la creación y el desarrollo de este territorio. Este proceso implica la intervención de unos estímulos que cambian el tiempo y el espacio. Los territorios facilitan el desarrollo de experiencias y eventos, que son capaces de removerlo, provocarlo, transformarlo. El arte pues, puede ser un medio a partir del cual transformar el territorio, que altera la forma de verlo y vivirlo, de la relación que establecemos con él.
“La calle no sólo significa acceso, sino que también es un lugar para expresarse socialmente. En estas calles es donde encontramos la relación casa-calle”. A.Smithson. Urban Structuring, 1967
Desde que los descubrí en la asignatura de composición de la escuela hace unos cuantos años ya, me han sugerido muchas ideas e inspiraciones a lo largo de la carrera. Ahora he querido recuperar los aspectos más interesantes de estos dos referentes de la arquitectura y, en especial, Alison Smithson, una de las pocas mujeres de referencia y reconocida en este campo que durante mucho tiempo parece haber sido solamente dirigido por hombres. Otra manera de entender la ciudad y la arquitectura que merece la pena recordar de vez en cuando y tener en cuenta cuando nos enfrentamos a nuestros propios proyectos.
Durante los años 50 sus ideas de vanguardia penetraron no sólo en los círculos londinenses de arquitectura, sino también en la escena cultural más amplia. Famosos por el edificio The Economist y el complejo residencial Robin Hood Gardens, Alison y Peter Smithson están considerados como dos de los arquitectos más influyentes y controvertibles de la historia.
En el congreso CIAM X de Aix-en-Provence, en 1953, fue cuando los Smithson mostraron y utilizaron como argumento las fotografías realistas de Nigel Henderson, que muestran la vida real en calles de los barrios populares de Londres; y conocieron a Candilis, a J.B. Bakema y a otros jóvenes que también creían que la Carta de Atenas había quedado obsoleta. El grupo que se formó alternativo a los CIAM fue el Team X, del que Alison y Peter Smithson fueron unos de los máximos representantes. Este nuevo grupo significó un cambio radical en el pensamiento arquitectónico, ya que a partir de aquel momento, los proyectos se analizarían desde un punto de vista más humanista y no tanto desde la organización funcional. Situados en lo que podemos llamar los universos del realismo, igual que otros miembros del Team X, se dedicaron a lo largo de su carrera a estudiar nuevas propuestas de sistemas formales complejos y de gran escala que fueran capaces de adaptarse a la realidad de la ciudad y el paisaje. Alison y Peter Smithson publicaron numerosos artículos, comentarios y libros. Los ejemplos más destacados fueron Urban Structuring (1967), Ordinariness and Light (1970) y Without Retoric (1973).
A pesar a las numerosas plublicaciones, el libro Urban Structuring es una síntesis de los estudios que hicieron los Smithson que presentaron en el CIAM X de 1956 con el manifiesto sobre ‘Identidad, Asociación, Agrupación y Movilidad’; y se estructuran en cuatro aspectos fundamentales: Patterns de Asociación, Patterns de Identidad, Cluster y Movilidad. Otros conceptos importantes serían el de mat-building y el de el arte de habitar.
En este artículo recuperamos el pensamiento crítico y algunas de las nuevas propuestas sobre las que escribió Alison Smithson a lo largo de toda su carrera, llegando así a convertirse en un referente para muchos arquitectos de generaciones posteriores que, como los Smithson, se preocupan por alguna cosa más que la forma o la función a la hora de proyectar sus edificios o de hacer nuevas propuestas de ciudad.
La visión de la realidad: la fotografía
A partir de los años cincuenta, cuando podemos decir que apareció el concepto de realidad, es cuando los Smithson empezaron a contemplar la ciudad con otros ojos, no desde el punto de vista arquitectónico sino desde una visión más humana, desde las personas, los flujos, el movimiento, las actividades, las necesidades de la gente y el lugar… desde el paisaje. Esta nueva visión de la realidad se demuestra cuando en el congreso CIAM de 1953 utilizaron las fotos realistas de Nigel Henderson para exponer sus ideas. Ya no presentaron un nuevo proyecto, simplemente pusieron sobre la mesa lo que estaba sucediendo en las calles de los barrios del Londres de la época, los juegos de niños, la colonización del lugar… Esta relación casa-calle que nos demuestra que el límite no es tan simple como el de la propiedad.
Imágenes de Nigel Henderson.
Los Smithson utilizaron la fotografía como base para darse cuenta de la realidad que los rodeaba, qué era lo que había y qué necesitaba la gente; y aplicaron estas nuevas ideas a sus proyectos arquitectónicos y, sobre todo, a sus propuestas urbanas. Un ejemplo que cabe destacar es el dietario de viaje de Alison Smithson AS in Ds. An Eye on the Road, de 1983. Un curioso libro en el que a parte de la fotografía, utiliza el esbozo para plasmar pequeñas realidades instantáneas tomadas durante el itinerario que hizo en un Citröen DS juntamente con Peter Smithson y sus dos hijos por Inglaterra.
Imágenes de Alison Smithson
En este libro nos habla de cinco aspectos fundamentales que demuestran que su visión de la realidad fue avanzando y evolucionando a lo largo de los años:
> Un nuevo aspecto de libertad ofrecido por el coche. En este caso vemos cómo los avances tecnológicos y el automóvil fueron claves para este nuevo concepto de lo real. La sociedad había cambiado. Tal como nos dice Alison Smithson, ‘we drive it’. Tres palabras que resumen la libertad ofrecida por una máquina como el automóvil, que permite marcharse, decidir cuándo subir y cuándo para el motor, bajarse y observar un nuevo paisaje, tan lejano al habitual como uno quiera, tan diferente como uno haya decidido.
> La sensibilidad heredada. La manera en cómo hemos sido enseñados a ver. Para ella era muy importante la manera de ver la realidad, la ciudad, el paisaje. Nos habla de la variedad de paisajes y que hay que saber verlos todos, que no todo lo bello es lo relacionado con la naturaleza, sino que las infrastructuras, las industrias, el asfalto, también pueden ser bellos si sabemos mirarlos. Critica que la manera con la que nos han enseñado a ver el paisaje es demasiado bucólica, y expone que es la sociedad educada la que será capaz de construir patrones previos.
>La nueva sensibilidad, resultante de la vista móvil del paisaje
> Los gráficos del movimiento
> La habitación privada sobre ruedas, donde expone la idea del marcharse de un lugar pero con la posibilidad de llevarse la casa para seguir sintiéndose identificado (concepto relacionado a los patterns de identidad).
> El cambio, que define con la idea de mutar lugares.
Patterns de Asociación e Identidad
Proyecto de referencia: Golden Lane, un concurso de viviendas de alta densidad en Londres que se hizo en 1952. Este esquema se elaboró en una teoría general que los Smithson expusiron en el CIAM X de Aix-en-Provence de 1953, cuando las palabras asociación e identidad se introdujeron en el pensamiento arquitectónico.
Así pues, Alison Smithson expresa la jerarquía de la asociación en un diagrama. Siguiendo su clasificación, diferencia cuatro tipos de asociación: la casa, la calle, el distrito y la ciudad.
Cuando Alison Smithson propuso la idea de “elementos de la ciudad” en 1952, los clasifica en vivienda, calle y distrito. En aquel momento, los conjuntos residenciales que se construían eran estándares de construcción demasiado altos, pero les faltaba alguna cosa más importante para ser conjuntos activos y creativos, les faltaba la identidad. Este estudio es consciente del problema de identidad en una sociedad móvil. Propone que una comunidad debería crecer a partir de una jerarquía de elementos asociativos e intenta expresar los diferentes niveles de asociación mencionados antes.
La calle tradicional considerada como un entorno activo está siendo cambiada por el incremento de movilidad. Reidentificar al hombre con su entorno no se puede lograr utilizando formas históricas de agrupamiento de casas: calles, plazas, zonas verdes, etc., ya que la realidad social que ellos representan ya no existe. El principio de identidad que propusieron es la base de Golden Lane Project: una ciudad con multiniveles con calles residenciales en el aire.
En orden para mantener la facilidad de movimiento, estas calles están unidas en un complejo continuo de multiniveles, conectados donde sea necesario y a esos elementos del suelo que son necesarios en un continuo modulado representando la verdadera complejidad de las asociaciones humanas.
La Movilidad
En el libro Urban Structuring, Alison Smithson habla del movimiento físico, pero también del movimiento social. Nos dice que la movilidad es la clave organizativa y social del planeamiento de las ciudades; no sólo concierne las carreteras, sino que se trata, más bien, de una comunidad móvil y fragmentada. Define la carretera como una infrastructura esencial para una comunidad, ya que una vez construidas tienen el mismo valor que un río o la misma topografía; son grandes. Por tanto, pueden crear divisiones geográficas y, en consecuencia, divisiones sociales.
Estos conceptos los encontramos ejemplificados en dos de sus proyectos:
> la propuesta para el Haupstadt Berlín, que se basa en patrones de movimiento con una red viaria angular donde la calle se propone como un espacio a colonizar por los habitantes. Tal como A&P Smithson escribieron:
“Ésta es una ciudad en la que cada función tiene su propio equivalente formal, que es reconocible por lo que es. Su organización no es rígida. El intento se ha hecho para crear una estética abierta, capaz de variar y crecer, donde el intercambio de objetivos sociales puede encontrar una salida”.
> el proyecto para la Universidad de Sheffield, donde los patrones de movimiento peatonal son la clave para la organización arquitectónica de los edificios.
En conclusión, Alison y Peter Smithson, intentaron aproximarse a la realidad de una forma sincera y desde la experiencia personal. Lo más destacable de su trabajo es la voluntad que tuvieron al proponer nuevas ideas y de querer romper con unos esquemas establecidos que al mismo movimiento moderno ya le supusieron un gran esfuerzo.
Los arquitectos de hoy deberíamos tomar como referencia esas premisas para cambiar este modelo que ha entrado en crisis. Algunas de las cuestiones que plantean son totalmente vigentes hoy en día, sobretodo la cuestión humana. Si ellos supieron adaptarse a la sociedad consumista donde el movimiento moderno parecía que ya no tendría cabida, hoy tenemos que pensar otras formas de hacer arquitectura y de proyectar en la ciudad, así como entender el territorio y los procesos de transformación que se producen en él y que van a haber en un futuro.
Fuentes:
LIBROS
> SMITHSON, Alison and Peter; Urban estructuring, studies of Alison and Peter Smithson; Studio Vista, Londres, 1967 > SMITHSON, Alison; AS IN DS, An eye on the road; Delft University Press, 1983 > SMITHSON, Alison and Peter; Italian Thoughts .ILA&UD publications, 1993 > SMITHSON, Alison and Peter; Cambiando el arte de habitar; Ed. Gustavo Gili, 1994
ARTÍCULOS
> How to recognise and read a mat-building. SMITHSON, Alison. Architectural Design Vol XLIV 9/1974. Pags. 573-590 > The violent consumer or waiting for the goodies. SMITHSON, Alison. Architectural Design Vol XLIV 5/1974. Pags. 274-278 > Interactions and transformations. Urban structure and urban form. SMITHSON, Peter. Architectural Design Vol XLIV 1/1974. Pags. 38-40
[Artículo basado en el capítulo Anti-walk, del libro WALKSCAPES. EL ANDAR COMO PRÁCTICA ESTÉTICA. CARERI, Francesco. Ed. Gustavo Gili. Barcelona, 2002.]
Desde que tenemos un año y medio, ya empezamos a caminar y prácticamente no dejamos de hacerlo a lo largo de nuestra vida. Pero, realmente aprendemos? Lo hacemos con conciencia?
La experiencia de la ciudad-recorrida se remonta desde las primeras formas dadaístas hasta las primeras experiencias de los años 70. A lo largo del siglo XX, la experiencia del “caminar” abandona la relación con el ámbito religioso para acabar convirtiéndose en una forma de arte autónoma. En este artículo haremos un repaso a este tipo de práctica estética desde las primeras propuestas de Dada hasta la dérive situacionista para acabar con el proyecto de New Babylon de Constant.
La primera cita dadaísta
París, 14 d’abril de 1921. Església de Saint-Julien-le-Pauvre. Esta visita se plantea como el inicio de una serie de incursiones urbanas en lugares banales de la ciudad. Por primera vez se trata de una operación estética consciente basada en la acción, al habitar la ciudad más que en representarla. Esta fue una operación simbólica en la que se atribuyó un valor estético a un espacio en vez de a un objeto. Las primeras visitas de Dada y las deambulaciones surrealistas posteriores supusieron un cambio fundamental en el sistema del arte, ya que se estaba utilizando el acto de recorrer un espacio como una forma estética, lo que sustituiría a la representación de la ciudad del futuro. Aparte, antes de estas incursiones, el espacio público era sólo potestad de arquitectos y urbanistas, y el arte sólo entraba a formar parte del espacio público mediante las ornamentaciones como esculturas en las plazas o los parques. Con esta acción cuyo objetivo es el simple hecho de desplazarse hacia el lugar para descubrirlo, sin realizar ninguna acción material, brinda a los artistas la oportunidad de intervenir de nuevo en la ciudad.
Esta es quizás la imagen más importante de la visita, donde vemos al grupo Dada posando en un terreno vacío. El tema de la fotografía es la simple presencia del grupo en la ciudad, siendo conscientes de lo que están haciendo, o sea nada.
Este tipo de operaciones estéticas iban acompañadas de una gran cantidad de octavillas, comunicados de prensa y documentación fotográfica. Un ejemplo es la octavilla repartida a los peatones:
“Los dadaístas, de paso por París, queriendo subsanar la incompetencia de las guías y de los presuntos ciceroni, han decidido emprender una serie de visitas a ciertos lugares elegidos, en especial a aquellos que realmente no poseen ninguna razón de existir. Se insiste equivocadamente en lo pintoresco, en el interés histórico y en el valor sentimental. La partida no está todavía perdida, pero es necesario actuar con urgencia. Participar en esta primera visita significa rendir cuentas del progreso humano, de las posibles destrucciones y de la necesidad de proseguir con nuestras acciones, que vosotros deberíais intentar apoyar por todos los medios”.
Imagen de Carla Bodoni.
Durante los primeros años del s.XX el movimiento fue un tema fundamental en las investigaciones vanguardistas. El movimiento y la velocidad se habían consolidado como una nueva presencia urbana; se intentaron fijar mediante los sistemas de representación tradicionales, como es el caso de “La representación del movimiento” (imagen 1) de Etienne-Jules Marey y el “Nu descendant un escalier “(imagen 2) de Duchamp. Pero después de la experiencia de Dada, lo que consideramos el primer readymade urbano, se pasó de esta representación en la práctica en el espacio real.
La ciudad dadaísta es una ciudad de la banalidad que ha abandonado todas las utopías hipertecnológicas del futurismo (automóviles a gran velocidad, flujos de energía, luces, ruidos, una metamorfosis constante del espacio …). En este momento, el movimiento se entiende de otra manera. Así pues, la presencia frecuente y las visitas a lugares aparentemente banales es para los dadaístas una manera de desacralizar el arte con el fin de llegar a la unión del arte con la vida, de lo sublime con lo cotidiano [pág.73 ].
La deambulación surrealista
En 1924 el grupo dadaísta organiza otra intervención, pero esta vez van más allá y proponen un recorrido errático por un territorio natural, o sea, lo que sería la materialización del lachez tout de André Breton. Este recorrido señala el paso definitivo de Dada al surrealismo, aunque en esta misma época es cuando las manifestaciones de Dada empiezan a despertar cada vez menos entusiasmo. Por eso, Louis Aragon, André Breton, Max Morise y Roger Vitrac organizan una deambulación a campo abierto por el centro de Francia. Breton recuerda este “deambular a cuatro bandas”, conversando y caminando durante varios días seguidos, como una “exploración hasta los límites entre la vida consciente y la vida soñada” [pag.80].
“Así pues, todos estamos de acuerdo en que podemos vivir una gran aventura. ‘Dejadlo todo…Salid a las calles’: éste era el motivo de mis exhortaciones en aquél período […]. Sin embargo, ¿de qué calles había que salir? De unas calles en el sentido material, eso era poco probable; de unas calles espirituales, eso no nos parecía bien. El hecho es que se nos ocurrió una la idea de combinar ambos tipos de calles.
De ahí surgió una deambulación entre cuatro: Louis Aragon, Max Morise, Roger Vitrac y yo mismo, emprendida en aquella época partiendo de Blois, una ciudad elegida al azar sobre el plano”.André Parinaud. Dins: ENTRETIENS BRETON, André. Ed.Gallimard. París, 1952.
La deambulación “consiste en conseguir, mediante el caminar, un estado de hipnosis, una desorientadora pérdida de control. Es un médium a través del cual entra se en contacto con la parte inconsciente del territorio”. [Pág.84]
“De la ciudad banal, a la ciudad inconsciente”
Los surrealistas encaran esta concepción del arte y la ciudad que había comenzado con Dada de una manera más positiva, intentando superar la negación dadaísta. Sostenían que a parte de los territorios de la banalidad, existían los territorios del inconsciente. “Los surrealistas estaban convencidos de que el espacio urbano se puede atravesar igual que nuestra mente, que en la ciudad puede revelarse una realidad no visible”. [Pág.88].
“La calle, a la que creía capaz de comunicar a mi vida sus sorprendentes recodos, la calle con sus inquietudes y sus miradas, era mi auténtico elemento: tomaba en ella como en algún otro sitio, el aire de lo eventual.”André Breton. LES PAS PERDUS. N.R.F. París, 1924.
Dada señaló la ciudad como un espacio estético donde poder trabajar con acciones cotidianas o simbólicas, el surrelisme, en cambio, utilizó el caminar como un medio a través del cual indagar y descubrir las zonas inconscientes de la ciudad. Posteriormente, los situacionistas reprocharon a los surrealistas que no hubieran llevado hasta el final el proyecto dadaísta. “Situarse fuera del arte, el arte sin obras ni artistas, el rechazo de la representación y del talento personal, la búsqueda de un arte anónimo, colectivo y revolucionario, todo esto será recogido, junto a la práctica del andar, por los errabundeos los letristas / situacionistas “. [Pag.90]
La dérive
Tras la “visita” dadaísta y la “deambulación” surrealista, aparece una nueva actividad que los situacionistas llaman la dérive. Esta vez se da un paso más y aparte de apuntar hacia la definición de zonas inconscientes de la ciudad, se trata de investigar apoyándose en el concepto de “psicogeografía”, “los efectos psíquicos que el contexto urbano produce en los individuos “[Pag.92].
“El concepto de deriva está ligado indisolublemente al reconocimiento de efectos de natualeza psicogeográfica, y a la afirmación de un conmportaiento lúdico-constructivo, lo que la opone en todos los aspectos a las nociones clásicas de viaje y paseo […]. Una desconfianza insuficiente respecto al azar […] condenó a un triste fracaso al famoso deambular sin meta intentado en 1923 por cuatro surrealistas partiendo de una ciudad elegida al azar: el vagar en el campo abierto es deprimente, evidentemente, y las interrupciones del azar son más pobres que nunca”. Guy Débord. THÉORIE DE LA DÉRIVE.
La ciudad se concibe como un paisaje psíquico construido por huecos, hay partes que se olvidan para poder construir infinitas ciudades posibles en el vacío que queda. Algunos de los documentos que nos muestran estas ideas son la Guide Psycogéographique de Paris (1957), y The Naked City (1957), ambos de Guy Debord. Es como si los barrios, descontextualizados, estuvieran a la deriva. No se señalan los recorridos interiores de los barrios, y las flechas representan los fragmentos de todas las derivas posibles.
La New Babylon, de Constant
Acabamos con el proyecto de New Babylon de Constant, que se desarrolla paralelamente a la teoría del urbanismo unitario y, al mismo tiempo, cuando la teoría de la dérive adquiere “un fundamento histórico y una tridimensionalidad arquitectónica” [pag 115]. En este caso la “superación del arte” se traslada hasta una “superación de la arquitectura” construyendo una “ciudad nómada” donde la libertad del hombre es uno de los motivos fundamentales. Una ciudad nómada sin límites.
“Somos los símbolos vivos de un mundo sin fronteras, de un mundo de libertad, sin armas, donde cualquiera puede viajar desde las estepas de Asia Central hasta las costas atlánticas, desde los altiplanos de África del Sur hasta los bosques finlandeses”.Vaida Void III. Dins: NEW BABYLON. CONSTANT. Haags Gemeentemuseum. La Haya, 1974.
Fuentes:
WALKSCAPES. EL ANDAR COMO PRÁCTICA ESTÉTICA. CARERI, Francesco. Ed. Gustavo Gili. Barcelona, 2002
